美术爱好者(你认为当代国画缺乏文化底蕴的根本原因在于哪里)
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2024-01-31
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1. 美术爱好者,你认为当代国画缺乏文化底蕴的根本原因在于哪里?
大韆世界,短暂人生,人們為了快樂,為了生存,在各行各業都有自己喜愛的選擇。藝術圈便是許多選擇當中之一項。
當下一部分藝術愛好者,在做學問方面存在僥幸,心不靜,不踏實,急於求成,過於浮躁,夢想一夜成名。然而,現實是血淋淋的殘酷,愛憎分明,沒有捷徑可尋。
真正在藝術領域有成就,有大作為者,都是付出了苦難才有甘甜,冰凍三尺,非一日之寒。他們朝乾夕惕,映雪讀書,孜孜不倦,將勤補拙,博采衆長,功成名立。
追名逐利,自賣自誇,溜鬚拍馬,自欺欺人,是當前藝術界存在的一種弊病,一種醜陋。
一些人,缺少良知,違背做人之准則,金錢至上,利慾薰心。道德失去平衡,良心霉臭噁心。
之前,絕大多數的老師育人是用心,不奢求,衹奉獻,真真實實教授後輩,不虛不假,不圖利益。喊一聲師父如叫一聲爹娘,親如一家人。
如今,一部分的老師育人是用錢,良心喪失,金錢利益至上,有錢好説話,無錢心拔涼。高研班、速成班等等,各式各樣撈錢的班遍地開花,一個字:錢,倆個字:撈錢,真真實實的克隆了一大批一個模式出來的學藝術的家們……
時代應該前進與進步,而非裹足不前而無創意、創新。
2. 你如何看待艺术的宗旨是反映事物的本质?
讨论有关艺术的宗旨,追根寻源,还是那句“艺术来源于生活”,显得更真实些,话虽简单,却很接地气,人类创造艺术的目的,也是服务于生活,当然了,也有关其他,问题来了:作为艺术爱好者,你如何看待“艺术的宗旨是反映事物的本质,忠于生活”这样的观点?
艺术的宗旨是反映事物的本质,忠于生活艺术的欣赏价值是引发人们的思考,诸如一首歌曲、一段舞蹈、一幅画作,“好听、好看、好感人”类似这样的赞赏,都说明了艺术的意义价值,我们可以假设,如果艺术一无是处的话,人们对它又有什么样的反应,肯定是不会花时间去欣赏,觉得那些艺术家也是游手好闲,
所以,只有艺术有了价值,人们才会去关注它,那么什么样的价值才会受人们的关注呢?唯有让人们在艺术“身上”得到益处,至少是大多数人得到益处,这艺术才会受欢迎,直白点说,艺术要和人们的切身利益有关,比如,工作、生活、学习、休息、交友……
我们都知道,任何人的行为都是有目的,或者说是动机,比如,一群性格开朗的人,可以通过艺术而成为朋友,艺术是人与人感情交流的桥梁,这本质是好的,换句话说,艺术是人类通用的语言,不论种族文化,而且任何事物都可以用艺术的形式表现出来,事物的“善恶美丑”的本质,
我们还可以通过西方人体油画艺术,去深入了解艺术的宗旨,为何会有人体艺术?而且人体艺术的生命力非常旺盛,那是因为人体艺术关系到人们的切身利益,或者说人体艺术让人们更清晰的认识了自己,了解了人性,人体艺术寓意赤裸的真理,“赤裸”是最无私的价值,比起人性的自私,高尚多了。忠于生活、忠于生命、忠于灵魂,这也是人类所追求的,艺术同样也是如此,唯有忠于生活,人类才不会弃之。
3. 艺术的爱好者英文怎么写?
艺术爱好者art loverart艺术lover爱好者
4. 你认为国画艺术作品的线条和油画艺术作品的线条有什么差异?
中国画线条的艺术表现力
线条是中国画的基础,它在绘画中处理、运用表现的好坏直接决定画作成败,因此在学习中国画之前,尤其在学习工笔画之前进行线条的学习尤为重要。正所为“功底深不深,线条给你撑”,中国画练习线条就犹如学书法练习笔画一样,通过对线条的起、行、收的练习,掌握线条运行的基本规律,在此基础上再进行各种线条变化的练习,熟悉不同笔毫的硬度特性和用笔的不同角度变化规律,准确把握指、腕、肘的运行方向和力度,灵活运用各种顿挫、转折、提按。在书法笔画线条练习中,要求“藏锋”,也就是要将笔锋藏于笔画线条之中,切不可“露锋”。线条在运行时要始终使笔锋藏于笔画线条之间,如果笔锋露出线条之外,就犯了“侧锋”的大忌了。虽然国画线条和书法线条不尽相同,国画线条变化丰富,要求多样,但在进行基础线条练习时,它也和书法笔画线条的要求基本一致,重点要求掌握“中锋运笔”,这样才能画出挺健流畅,“如锥画砂”、“如屋漏痕”般遒劲有力的线条。
任何一根线,它都由起笔、行笔和收笔这三个部分组成,正确掌握和运用这三个动作是线条成败的关键。要做到起笔要顿,行笔要畅,收笔要留,顺逆有锋。当然一幅中国画讲究的是整体风格效果和意境,但线条的基本工扎不扎实,内行人一目了然。
油画线条的表现力
笔法是画家运用线条的方法。研究笔迹的人都知道,通过一个字能判断一个人的性格和情绪。绘画也是一样,笔法能流露画家的情绪和性格,而企图掩饰它们绝非易事。画家应该学会用纯粹的线条形式表达某种心态。前辈大师对此就非常重视。
为了测试你自己用线条表现情绪的能力,我建议你用一枝笔,最好是软头的笔,在纸上画一些线条,分别表现出下面这些情绪:愤怒、钟爱、嫉妒、仇恨、绝望和安详。把这些线条拿给你的朋友,看看他们是否能说出每一根线条所表达的情绪。如果你在画线条时确有其感,画出的线条会更有说服力,因为情绪和表现情绪的线条都不易伪造。
油画线条表现肌理
线条的另外一个作用是表现肌理。例如,在雷诺阿的作品中,女子脸部的轮廓常常被特意柔化,甚至比猫的绒毛还要模糊。雷诺阿之所以使用这样的线条,不仅是要表现女子皮肤本身的肌理,而且还表达画家的感受:柔软、温暖、娇弱。他正是用线条传达这种感受的。
油画线条表现出的节奏感
线条还有一个重要的作用你应该知道,那就是表现节奏。线条标志空间的分界,因此也就标志时间的分界。换句话说,当你的眼睛从画面的一个地方向另一个地方移动的时候,分割各区域的线条控制着你视线的“节拍”。如果中间有很多线条,节奏就会放慢。相反,视线扫过一块平坦色域的节奏较快。画家可以用这种节奏的表现手法来控制速度的变化,增强视觉的兴奋程度。
中国画和油画的差异
中国画的本质是中国传统文化、哲学思想和审美情趣在美术领域的延伸。中国画从来不是一个独立的艺术存在,而是与诗词、书法、印章等共同构成的一个缺一不可的完整审美体系,是多种艺术融合后的呈现。
同时,中国画也是中国传统文人士大夫精神生活的重要组成部分,所谓琴、棋、书、画、诗、酒、茶是中国文人的标配。
中国画的内在价值追求的是气势、意境、神韵、禅味等诗意的东西,是“似与不似之间”的境界,是画在画外的形而上意识,有着阴阳、虚实、刚柔、内外、灵稳等的哲学思辨。
油画的本质是西方美学思想与科学成果应用相融合的视觉艺术。比如:聚焦透视、人体解剖、黄金分割、光学、色谱等,既是科学,也是艺术。
同时,油画也是西方文化思潮的先锋。无论是文艺复兴,还是启蒙运动;无论是学院派,还是印象派;无论是古典主义,还是现代主义,油画作为美术的主力军,与文学、音乐等艺术形式一道成为推动社会思想进步和审美升级的核心力量。
因此,油画的价值追求是再现真实客观世界与呈现复杂内心世界的统一,是不断创造新的美学语言和表现方式,是西方人精神世界的重要载体。油画的艺术效果更注重于明暗、鲜灰、曲直的辨证思维。
通过上述分析,我们已经对线条在中国画和油画之中的不同表现和应用,以及产生的不同的艺术效果有了一个清晰的了解,对中国画和油画的不同艺术风格和追求有了一定的理解。其实绘画艺术是共同的,也是相通的,只是表现手法和艺术效果上的差异,就有很多国内外大师中西结合,相互借鉴,取长补短,博采众长,融汇贯通,创作出一件又一件的精品佳作。因此我们的欣赏水平和艺术鉴赏能力也要与时俱进,同步发展。
5. 有人说太高尚的艺术看上去像商品?
太高尚的艺术看上去像商品
从字面理解“高尚”,指的是人的情操高尚,作品的内容有趣味,不会低俗,高尚和高雅的意思相近,就艺术而言,任何艺术家或创作者都希望自己创作出来的作品是高尚高雅的,对那些低俗劣质的作品避而远之,问题来了:有人说太高尚的艺术看上去像商品?
既然有人会这么说,那么我们就有必要认真审题一下了,太高尚的艺术看上去像商品,关键词是“太高尚”,也就是过度高尚的意思,凡事“物极必反”,那么这“太高尚”到了哪种程度呢?肯定是到了不切合实际的程度了,就好比一个人修身养性到了认人觉得要成仙不食人间烟火的程度了,这让人觉得很假也很可怕,
同样如此,艺术太高尚,很显然也只能从表象上追求高尚了,因为任何艺术家都没办法将自身的修养修炼的和“神仙”一样高尚的境界,自然投入到作品的情感也没办法太高尚,但是作品表象的高尚是完全有办法做到极致高尚的,通过高科技的技巧修饰处理,
比如一幅绘画作品或一件书法作品,用人工+智能来创作,完全可以呈现出非常“高大上”的样子,画里字里的线条闪闪发光,好像渡了金似的,看起来非常高尚,跟“活”的一样,但此时,它就更像是用来交易的商品了,而不是艺术品。事实上,就连天才艺术家也没办法将一幅画或一件书法作品描绘的像真人真物,它总是存在一些“不真实”的元素,毕竟没有人会“点石成金”之术,或许赋予过高的技巧之后,作品看起来就很华丽真实了,但技巧是没办法打动人的(技巧之下的商品也无法打动人),而艺术是可以打动人。
6. 你认为艺术家是如何让观众相信图画比自然本身更真实?
艺术来源于生活但是他更高于生活!因为作者赋予了他的精神和感情!赋予了作品生命让我们的生活更加丰富多彩!
在这点他表现在以下几点:
(1)主、客观的统一。既然艺术真实的内容是由主体和客体两方面构成的,那么,艺术真实必然是对象的本质的人化和人的本质力量的对象化这两方面的复杂的辩证的“合金”。艺术真实作为对生活真实的一种形象的认识,必然一方面反映出对象的本质,揭示出所描写的生活的客观规律和人物的内在逻辑,同时表现出创作主体的态度和评价,包括作家的爱憎、好恶、褒贬等思想倾向,体现着他们的艺术趣味、智慧、能力和技巧。因此,人们可以从体现着自己的本质力量的对象中,即在他们“所创造的世界中直观自身”。精神产品以感性形态拓在对象世界中肯定自己”,是对自己的主观创造性的一种流露和显示。客观方面的规律性和主观方面的真理观、创作对象的政治属性和创作主体方面的政治观点这两方面生动、和谐地统一予艺术形象之中。两者构成有机的统一体,不是机械的混合,而是化学的化合。郑板桥画竹,既表现了竹的挺拔劲书,又借以多少表现他的人格的不俗,他的志趣的清雅和他不甘屈节的高尚操守。
列·托尔斯泰的《安娜·卡列尼娜》中的理想人物贵族列文面临俄国宗法制农业的全面危机,忧心如焚为之寻找出路,提出一整套乌托邦式的农业改革方案,这也正好反映出作者面对新的历史发展趋势,为摆脱宗法制农业的毁灭的严峻现实所作的种种努力,同时,也是他多年菜央行厶平民化”运动以及他对自己庄园实行的改革措施在艺术上的衍射和折光。竒见,艺术形象中的主客观因素总是力图生动和谐地融为一体,很难、也不应当把它们强行肢解和割裂开来。然而,在理解和处理艺术真实的主客观关系上,往往表现出两种片面性。自然主义强调纯粹的客观性,专注对事物进行表面的平庸的琐细的描写,排斥文艺的主观性,反对作家的思想倾向,主张艺术家禾偏不倚地描写和反映事物,以达到所谓“绝对的真实”。这是虚伪的。总的说来,无倾向的作家和作品是不存在的。自然主义打着无倾向的幌子实际上掩盖着这种文学主张的机械唯物论和庸俗社会学的思想倾向
自然主义的某些作品也必不可免地表现出一定程度上揭露和否定资本主义社会制度和种种流弊的进步倾向。:唯心主义与自然主义相反,它离开对象的客观真实性追求文艺的主观性,甚至把文艺的主观性夸大为主观主义,从无视和否定“我”的自然主义走向夸大“我”的唯心主义,使艺术沦为一种单纯的“自我表现”。主观唯心主义的创作是一种拓瞒矽和“骗”的文艺,历来以歪曲和颠倒生活的客观规律和人物的内在逻辑为能事。我们必须用唯物辩证法的观点,正确理解和处理主观和客观的关系。反对唯心主义倾向时,防止反掉文艺的主观倾向性,克服自然主义倾向时,防止反掉文艺的客观真实性。换言之,强调文艺的主观性时,注意流于或走向唯心主义,强调文艺的客观真实性时,注意流于或走向自然主义……重视主观性是为了充分发挥作家的主观能动性和创造精神,其目的正是为了能够有助于更正确更深刻地揭示生活的真理。正如罗丹所说: 不求“平板的精确”,而要“内在的真理”。杜勃罗留波夫说得好:翻我们认为艺术作品的主要价值是它的生活的真理”,这是“让我们决定每一种文学现象的价值等级和意义底尺度”。
(2)具体可感性禾綜合概括性的统一。真实的典型的艺术形象是具体可感的。艺术中的典型人物必须具有鲜明的独特的个性。列,宁指出: “在小说里全部关键在于个别的环节,在于分析这些典型的性格和心理”。黑格尔说: “艺术作品所提供观照的内容,不应该只以它的普遍性出现,这普遍性须经过明晰的个性化,化成个别的感性的东西”。歌德强调:描写个别是艺术的生命。但这并不意味着艺术可以拘泥于生活中的个别事实。如果只注重摄取生活中的个别的、偶然的、表面的现象,而不去挖掘孕含于其中的一般的、必然的、本质的内核,象别林斯基所指出的那样,拒绝从所描绘的人物身上提取最鲜明最本质的特征,剔除一切对烘托人物性格没有帮助的偶然的东西,那么,难免导致“恶劣的个性化”。恩格斯称“恶劣的个性化”“是一种纯粹低贱的自作聪明,并且是垂死的模仿文学的一个本质的标记” 黑格尔老人曾指出艺术中的梯这个”是以“明确的个性”形式显示出来的典型性。个别和一般、现象和本质、偶然和必然和谐统一于拓这个”艺术形象之中,既有具体可感性,又有综合概括性。综合概括性寓于具体可感性之中,并通过具体可感的形态表现出来。离开综合概括性追求具体可感性,或离开具体可感性追求综合概括性,都是违反艺术规律的。
(3)现实和理想的统一。艺术真实或艺术形象既是现实的,又应当是富有理想光彩的。艺术家是有追求的对腐朽的旧事物的鄙夷和厌弃和对崛起的新事物的向往和憧憬,是他们社会情操中不可分割的两个方面,爱和憎是他们情感世界中不可肢解的双重因素,歌颂和暴露是他们的政治态度中不可缺少的双刃解剖刀。这一切,恰如鸟之两翼、车之双轮。拘泥于现实的自然主义尽管表面上排斥理想,但实际上自然主义的某些作品也并不是全然没有追求的。批判现实主义的理论和创作,从整体上看,由于他们受制于唯心史观,不可能展示出社会发展的光明前途,不可能提出解决社会问题的科学预见。但他们仍然是有理想的。这种理想是和当时生产力水平相适应的,是和一定的社会科学的理论相协调的,有时尽管朦胧、虚妄,带有不能实现的乌托邦性质,但作为当时蕴藏在广大人民和先进阶级的心中并作为支配他们行动的思想动力,无疑对历史的发展起到了十分积极的作用。身处社会主义时代的作家们,有了先进的马克思主义世界观,无须再踯躅于黑暗中进行长期痛苦的求索。
这是十分幸运的。应当继承和发扬现实主义优良传统,敢于直面新历史条件下的新矛盾,以对现实的冷静观察为基础,努力发掘和表现生活中的新人物和新思想,恰当地展示出其中所蕴藏的理想的因素,通过艺术的概括和提炼,塑造出具有新的时代感、闪耀着理想光辉的社会主义新人形象。这并不意味着写其他人物形象不能展示出理想。不是的。作家、艺术家们揭示理想的手段和途径是多种多样的:写转变人物,可以从他们转变的过程中,展示社会主义思想的威力,写反面人物,可以通过否定丑的方式来肯定美,通过鄙弃过时的东西表达对具有光明前途的新事物的憧憬和向往,从而给人们以鼓舞和力量。我们要自觉地用马克思主义的立场、观点和方法,来认识和处理艺术真实中的现实和理想的关系:既反对自然主义的“非理想化”的倾向,也反对唯心主义的超越现实超越历史的“理想化”的倾向。既要防止离开理想,拘泥于现实,也要防止脱离现实,空谈理想。
7. 你认为那些俗不可耐的画?
任何一幅优秀的画作都能够让人赏心悦目,赢得人们的赞赏,由于绘画艺术已经多元化,所以也出现了一些“俗不可耐”的绘画作品,“俗不可耐”就是庸俗到让人无法忍受的意思,问题来了:作为艺术爱好者,你认为那些“俗不可耐”的画,都是怎么画出来的?
那些“俗不可耐”的画开篇已经简单说明了,“俗不可耐”的画,就是那种庸俗、低级趣味到让人无法忍受的画,那么为什么会有那种“俗不可耐”的画呢?或者说,是什么原因导致一幅画“俗不可耐”呢?其实,每一个画家或画者,都希望自己创作出来的作品能够赏心悦目,赢得大家的赞赏,
对于绘画创作而言,只有高档的绘画工具颜料,是依旧不能画出有品质的画作的,还要有精湛的绘画技法,绘画理论知识,比如,在油画创作中,要熟悉了解各种色彩的特性和视觉效果,以及正确合理的构图,构图在绘画中的作用,不言而喻,就像文章的中心思想,不可缺少,它协调画作主题和背景的关系,
经过上段的简单说明,就可以得知,之所以有些画“俗不可耐”,首先是构图混乱,甚至是没有构图,其次是色彩处理不当;这话很容易理解,没有构图或者构图混乱的画作,导致画作的主体与背景的关系不鲜明,色彩处理不当,就意味着画作没有画风,
之所以有些画“俗不可耐”,那是因为画家没有艺术修养,缺乏艺术修养、审美能力低下的“画家”,创作出来的画必定“俗不可耐”,绘画本身就是画家思想、情感的抒发表达,脑子里有什么,都会通过画笔描绘出来,一幅画作是画家人格魅力的真实写照,当然了,画家低级趣味的习性,也会在画作中体现出来。
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1. 美术爱好者,你认为当代国画缺乏文化底蕴的根本原因在于哪里?
大韆世界,短暂人生,人們為了快樂,為了生存,在各行各業都有自己喜愛的選擇。藝術圈便是許多選擇當中之一項。
當下一部分藝術愛好者,在做學問方面存在僥幸,心不靜,不踏實,急於求成,過於浮躁,夢想一夜成名。然而,現實是血淋淋的殘酷,愛憎分明,沒有捷徑可尋。
真正在藝術領域有成就,有大作為者,都是付出了苦難才有甘甜,冰凍三尺,非一日之寒。他們朝乾夕惕,映雪讀書,孜孜不倦,將勤補拙,博采衆長,功成名立。
追名逐利,自賣自誇,溜鬚拍馬,自欺欺人,是當前藝術界存在的一種弊病,一種醜陋。
一些人,缺少良知,違背做人之准則,金錢至上,利慾薰心。道德失去平衡,良心霉臭噁心。
之前,絕大多數的老師育人是用心,不奢求,衹奉獻,真真實實教授後輩,不虛不假,不圖利益。喊一聲師父如叫一聲爹娘,親如一家人。
如今,一部分的老師育人是用錢,良心喪失,金錢利益至上,有錢好説話,無錢心拔涼。高研班、速成班等等,各式各樣撈錢的班遍地開花,一個字:錢,倆個字:撈錢,真真實實的克隆了一大批一個模式出來的學藝術的家們……
時代應該前進與進步,而非裹足不前而無創意、創新。
2. 你如何看待艺术的宗旨是反映事物的本质?
讨论有关艺术的宗旨,追根寻源,还是那句“艺术来源于生活”,显得更真实些,话虽简单,却很接地气,人类创造艺术的目的,也是服务于生活,当然了,也有关其他,问题来了:作为艺术爱好者,你如何看待“艺术的宗旨是反映事物的本质,忠于生活”这样的观点?
艺术的宗旨是反映事物的本质,忠于生活艺术的欣赏价值是引发人们的思考,诸如一首歌曲、一段舞蹈、一幅画作,“好听、好看、好感人”类似这样的赞赏,都说明了艺术的意义价值,我们可以假设,如果艺术一无是处的话,人们对它又有什么样的反应,肯定是不会花时间去欣赏,觉得那些艺术家也是游手好闲,
所以,只有艺术有了价值,人们才会去关注它,那么什么样的价值才会受人们的关注呢?唯有让人们在艺术“身上”得到益处,至少是大多数人得到益处,这艺术才会受欢迎,直白点说,艺术要和人们的切身利益有关,比如,工作、生活、学习、休息、交友……
我们都知道,任何人的行为都是有目的,或者说是动机,比如,一群性格开朗的人,可以通过艺术而成为朋友,艺术是人与人感情交流的桥梁,这本质是好的,换句话说,艺术是人类通用的语言,不论种族文化,而且任何事物都可以用艺术的形式表现出来,事物的“善恶美丑”的本质,
我们还可以通过西方人体油画艺术,去深入了解艺术的宗旨,为何会有人体艺术?而且人体艺术的生命力非常旺盛,那是因为人体艺术关系到人们的切身利益,或者说人体艺术让人们更清晰的认识了自己,了解了人性,人体艺术寓意赤裸的真理,“赤裸”是最无私的价值,比起人性的自私,高尚多了。忠于生活、忠于生命、忠于灵魂,这也是人类所追求的,艺术同样也是如此,唯有忠于生活,人类才不会弃之。
3. 艺术的爱好者英文怎么写?
艺术爱好者art loverart艺术lover爱好者
4. 你认为国画艺术作品的线条和油画艺术作品的线条有什么差异?
中国画线条的艺术表现力
线条是中国画的基础,它在绘画中处理、运用表现的好坏直接决定画作成败,因此在学习中国画之前,尤其在学习工笔画之前进行线条的学习尤为重要。正所为“功底深不深,线条给你撑”,中国画练习线条就犹如学书法练习笔画一样,通过对线条的起、行、收的练习,掌握线条运行的基本规律,在此基础上再进行各种线条变化的练习,熟悉不同笔毫的硬度特性和用笔的不同角度变化规律,准确把握指、腕、肘的运行方向和力度,灵活运用各种顿挫、转折、提按。在书法笔画线条练习中,要求“藏锋”,也就是要将笔锋藏于笔画线条之中,切不可“露锋”。线条在运行时要始终使笔锋藏于笔画线条之间,如果笔锋露出线条之外,就犯了“侧锋”的大忌了。虽然国画线条和书法线条不尽相同,国画线条变化丰富,要求多样,但在进行基础线条练习时,它也和书法笔画线条的要求基本一致,重点要求掌握“中锋运笔”,这样才能画出挺健流畅,“如锥画砂”、“如屋漏痕”般遒劲有力的线条。
任何一根线,它都由起笔、行笔和收笔这三个部分组成,正确掌握和运用这三个动作是线条成败的关键。要做到起笔要顿,行笔要畅,收笔要留,顺逆有锋。当然一幅中国画讲究的是整体风格效果和意境,但线条的基本工扎不扎实,内行人一目了然。
油画线条的表现力
笔法是画家运用线条的方法。研究笔迹的人都知道,通过一个字能判断一个人的性格和情绪。绘画也是一样,笔法能流露画家的情绪和性格,而企图掩饰它们绝非易事。画家应该学会用纯粹的线条形式表达某种心态。前辈大师对此就非常重视。
为了测试你自己用线条表现情绪的能力,我建议你用一枝笔,最好是软头的笔,在纸上画一些线条,分别表现出下面这些情绪:愤怒、钟爱、嫉妒、仇恨、绝望和安详。把这些线条拿给你的朋友,看看他们是否能说出每一根线条所表达的情绪。如果你在画线条时确有其感,画出的线条会更有说服力,因为情绪和表现情绪的线条都不易伪造。
油画线条表现肌理
线条的另外一个作用是表现肌理。例如,在雷诺阿的作品中,女子脸部的轮廓常常被特意柔化,甚至比猫的绒毛还要模糊。雷诺阿之所以使用这样的线条,不仅是要表现女子皮肤本身的肌理,而且还表达画家的感受:柔软、温暖、娇弱。他正是用线条传达这种感受的。
油画线条表现出的节奏感
线条还有一个重要的作用你应该知道,那就是表现节奏。线条标志空间的分界,因此也就标志时间的分界。换句话说,当你的眼睛从画面的一个地方向另一个地方移动的时候,分割各区域的线条控制着你视线的“节拍”。如果中间有很多线条,节奏就会放慢。相反,视线扫过一块平坦色域的节奏较快。画家可以用这种节奏的表现手法来控制速度的变化,增强视觉的兴奋程度。
中国画和油画的差异
中国画的本质是中国传统文化、哲学思想和审美情趣在美术领域的延伸。中国画从来不是一个独立的艺术存在,而是与诗词、书法、印章等共同构成的一个缺一不可的完整审美体系,是多种艺术融合后的呈现。
同时,中国画也是中国传统文人士大夫精神生活的重要组成部分,所谓琴、棋、书、画、诗、酒、茶是中国文人的标配。
中国画的内在价值追求的是气势、意境、神韵、禅味等诗意的东西,是“似与不似之间”的境界,是画在画外的形而上意识,有着阴阳、虚实、刚柔、内外、灵稳等的哲学思辨。
油画的本质是西方美学思想与科学成果应用相融合的视觉艺术。比如:聚焦透视、人体解剖、黄金分割、光学、色谱等,既是科学,也是艺术。
同时,油画也是西方文化思潮的先锋。无论是文艺复兴,还是启蒙运动;无论是学院派,还是印象派;无论是古典主义,还是现代主义,油画作为美术的主力军,与文学、音乐等艺术形式一道成为推动社会思想进步和审美升级的核心力量。
因此,油画的价值追求是再现真实客观世界与呈现复杂内心世界的统一,是不断创造新的美学语言和表现方式,是西方人精神世界的重要载体。油画的艺术效果更注重于明暗、鲜灰、曲直的辨证思维。
通过上述分析,我们已经对线条在中国画和油画之中的不同表现和应用,以及产生的不同的艺术效果有了一个清晰的了解,对中国画和油画的不同艺术风格和追求有了一定的理解。其实绘画艺术是共同的,也是相通的,只是表现手法和艺术效果上的差异,就有很多国内外大师中西结合,相互借鉴,取长补短,博采众长,融汇贯通,创作出一件又一件的精品佳作。因此我们的欣赏水平和艺术鉴赏能力也要与时俱进,同步发展。
5. 有人说太高尚的艺术看上去像商品?
太高尚的艺术看上去像商品
从字面理解“高尚”,指的是人的情操高尚,作品的内容有趣味,不会低俗,高尚和高雅的意思相近,就艺术而言,任何艺术家或创作者都希望自己创作出来的作品是高尚高雅的,对那些低俗劣质的作品避而远之,问题来了:有人说太高尚的艺术看上去像商品?
既然有人会这么说,那么我们就有必要认真审题一下了,太高尚的艺术看上去像商品,关键词是“太高尚”,也就是过度高尚的意思,凡事“物极必反”,那么这“太高尚”到了哪种程度呢?肯定是到了不切合实际的程度了,就好比一个人修身养性到了认人觉得要成仙不食人间烟火的程度了,这让人觉得很假也很可怕,
同样如此,艺术太高尚,很显然也只能从表象上追求高尚了,因为任何艺术家都没办法将自身的修养修炼的和“神仙”一样高尚的境界,自然投入到作品的情感也没办法太高尚,但是作品表象的高尚是完全有办法做到极致高尚的,通过高科技的技巧修饰处理,
比如一幅绘画作品或一件书法作品,用人工+智能来创作,完全可以呈现出非常“高大上”的样子,画里字里的线条闪闪发光,好像渡了金似的,看起来非常高尚,跟“活”的一样,但此时,它就更像是用来交易的商品了,而不是艺术品。事实上,就连天才艺术家也没办法将一幅画或一件书法作品描绘的像真人真物,它总是存在一些“不真实”的元素,毕竟没有人会“点石成金”之术,或许赋予过高的技巧之后,作品看起来就很华丽真实了,但技巧是没办法打动人的(技巧之下的商品也无法打动人),而艺术是可以打动人。
6. 你认为艺术家是如何让观众相信图画比自然本身更真实?
艺术来源于生活但是他更高于生活!因为作者赋予了他的精神和感情!赋予了作品生命让我们的生活更加丰富多彩!
在这点他表现在以下几点:
(1)主、客观的统一。既然艺术真实的内容是由主体和客体两方面构成的,那么,艺术真实必然是对象的本质的人化和人的本质力量的对象化这两方面的复杂的辩证的“合金”。艺术真实作为对生活真实的一种形象的认识,必然一方面反映出对象的本质,揭示出所描写的生活的客观规律和人物的内在逻辑,同时表现出创作主体的态度和评价,包括作家的爱憎、好恶、褒贬等思想倾向,体现着他们的艺术趣味、智慧、能力和技巧。因此,人们可以从体现着自己的本质力量的对象中,即在他们“所创造的世界中直观自身”。精神产品以感性形态拓在对象世界中肯定自己”,是对自己的主观创造性的一种流露和显示。客观方面的规律性和主观方面的真理观、创作对象的政治属性和创作主体方面的政治观点这两方面生动、和谐地统一予艺术形象之中。两者构成有机的统一体,不是机械的混合,而是化学的化合。郑板桥画竹,既表现了竹的挺拔劲书,又借以多少表现他的人格的不俗,他的志趣的清雅和他不甘屈节的高尚操守。
列·托尔斯泰的《安娜·卡列尼娜》中的理想人物贵族列文面临俄国宗法制农业的全面危机,忧心如焚为之寻找出路,提出一整套乌托邦式的农业改革方案,这也正好反映出作者面对新的历史发展趋势,为摆脱宗法制农业的毁灭的严峻现实所作的种种努力,同时,也是他多年菜央行厶平民化”运动以及他对自己庄园实行的改革措施在艺术上的衍射和折光。竒见,艺术形象中的主客观因素总是力图生动和谐地融为一体,很难、也不应当把它们强行肢解和割裂开来。然而,在理解和处理艺术真实的主客观关系上,往往表现出两种片面性。自然主义强调纯粹的客观性,专注对事物进行表面的平庸的琐细的描写,排斥文艺的主观性,反对作家的思想倾向,主张艺术家禾偏不倚地描写和反映事物,以达到所谓“绝对的真实”。这是虚伪的。总的说来,无倾向的作家和作品是不存在的。自然主义打着无倾向的幌子实际上掩盖着这种文学主张的机械唯物论和庸俗社会学的思想倾向
自然主义的某些作品也必不可免地表现出一定程度上揭露和否定资本主义社会制度和种种流弊的进步倾向。:唯心主义与自然主义相反,它离开对象的客观真实性追求文艺的主观性,甚至把文艺的主观性夸大为主观主义,从无视和否定“我”的自然主义走向夸大“我”的唯心主义,使艺术沦为一种单纯的“自我表现”。主观唯心主义的创作是一种拓瞒矽和“骗”的文艺,历来以歪曲和颠倒生活的客观规律和人物的内在逻辑为能事。我们必须用唯物辩证法的观点,正确理解和处理主观和客观的关系。反对唯心主义倾向时,防止反掉文艺的主观倾向性,克服自然主义倾向时,防止反掉文艺的客观真实性。换言之,强调文艺的主观性时,注意流于或走向唯心主义,强调文艺的客观真实性时,注意流于或走向自然主义……重视主观性是为了充分发挥作家的主观能动性和创造精神,其目的正是为了能够有助于更正确更深刻地揭示生活的真理。正如罗丹所说: 不求“平板的精确”,而要“内在的真理”。杜勃罗留波夫说得好:翻我们认为艺术作品的主要价值是它的生活的真理”,这是“让我们决定每一种文学现象的价值等级和意义底尺度”。
(2)具体可感性禾綜合概括性的统一。真实的典型的艺术形象是具体可感的。艺术中的典型人物必须具有鲜明的独特的个性。列,宁指出: “在小说里全部关键在于个别的环节,在于分析这些典型的性格和心理”。黑格尔说: “艺术作品所提供观照的内容,不应该只以它的普遍性出现,这普遍性须经过明晰的个性化,化成个别的感性的东西”。歌德强调:描写个别是艺术的生命。但这并不意味着艺术可以拘泥于生活中的个别事实。如果只注重摄取生活中的个别的、偶然的、表面的现象,而不去挖掘孕含于其中的一般的、必然的、本质的内核,象别林斯基所指出的那样,拒绝从所描绘的人物身上提取最鲜明最本质的特征,剔除一切对烘托人物性格没有帮助的偶然的东西,那么,难免导致“恶劣的个性化”。恩格斯称“恶劣的个性化”“是一种纯粹低贱的自作聪明,并且是垂死的模仿文学的一个本质的标记” 黑格尔老人曾指出艺术中的梯这个”是以“明确的个性”形式显示出来的典型性。个别和一般、现象和本质、偶然和必然和谐统一于拓这个”艺术形象之中,既有具体可感性,又有综合概括性。综合概括性寓于具体可感性之中,并通过具体可感的形态表现出来。离开综合概括性追求具体可感性,或离开具体可感性追求综合概括性,都是违反艺术规律的。
(3)现实和理想的统一。艺术真实或艺术形象既是现实的,又应当是富有理想光彩的。艺术家是有追求的对腐朽的旧事物的鄙夷和厌弃和对崛起的新事物的向往和憧憬,是他们社会情操中不可分割的两个方面,爱和憎是他们情感世界中不可肢解的双重因素,歌颂和暴露是他们的政治态度中不可缺少的双刃解剖刀。这一切,恰如鸟之两翼、车之双轮。拘泥于现实的自然主义尽管表面上排斥理想,但实际上自然主义的某些作品也并不是全然没有追求的。批判现实主义的理论和创作,从整体上看,由于他们受制于唯心史观,不可能展示出社会发展的光明前途,不可能提出解决社会问题的科学预见。但他们仍然是有理想的。这种理想是和当时生产力水平相适应的,是和一定的社会科学的理论相协调的,有时尽管朦胧、虚妄,带有不能实现的乌托邦性质,但作为当时蕴藏在广大人民和先进阶级的心中并作为支配他们行动的思想动力,无疑对历史的发展起到了十分积极的作用。身处社会主义时代的作家们,有了先进的马克思主义世界观,无须再踯躅于黑暗中进行长期痛苦的求索。
这是十分幸运的。应当继承和发扬现实主义优良传统,敢于直面新历史条件下的新矛盾,以对现实的冷静观察为基础,努力发掘和表现生活中的新人物和新思想,恰当地展示出其中所蕴藏的理想的因素,通过艺术的概括和提炼,塑造出具有新的时代感、闪耀着理想光辉的社会主义新人形象。这并不意味着写其他人物形象不能展示出理想。不是的。作家、艺术家们揭示理想的手段和途径是多种多样的:写转变人物,可以从他们转变的过程中,展示社会主义思想的威力,写反面人物,可以通过否定丑的方式来肯定美,通过鄙弃过时的东西表达对具有光明前途的新事物的憧憬和向往,从而给人们以鼓舞和力量。我们要自觉地用马克思主义的立场、观点和方法,来认识和处理艺术真实中的现实和理想的关系:既反对自然主义的“非理想化”的倾向,也反对唯心主义的超越现实超越历史的“理想化”的倾向。既要防止离开理想,拘泥于现实,也要防止脱离现实,空谈理想。
7. 你认为那些俗不可耐的画?
任何一幅优秀的画作都能够让人赏心悦目,赢得人们的赞赏,由于绘画艺术已经多元化,所以也出现了一些“俗不可耐”的绘画作品,“俗不可耐”就是庸俗到让人无法忍受的意思,问题来了:作为艺术爱好者,你认为那些“俗不可耐”的画,都是怎么画出来的?
那些“俗不可耐”的画开篇已经简单说明了,“俗不可耐”的画,就是那种庸俗、低级趣味到让人无法忍受的画,那么为什么会有那种“俗不可耐”的画呢?或者说,是什么原因导致一幅画“俗不可耐”呢?其实,每一个画家或画者,都希望自己创作出来的作品能够赏心悦目,赢得大家的赞赏,
对于绘画创作而言,只有高档的绘画工具颜料,是依旧不能画出有品质的画作的,还要有精湛的绘画技法,绘画理论知识,比如,在油画创作中,要熟悉了解各种色彩的特性和视觉效果,以及正确合理的构图,构图在绘画中的作用,不言而喻,就像文章的中心思想,不可缺少,它协调画作主题和背景的关系,
经过上段的简单说明,就可以得知,之所以有些画“俗不可耐”,首先是构图混乱,甚至是没有构图,其次是色彩处理不当;这话很容易理解,没有构图或者构图混乱的画作,导致画作的主体与背景的关系不鲜明,色彩处理不当,就意味着画作没有画风,
之所以有些画“俗不可耐”,那是因为画家没有艺术修养,缺乏艺术修养、审美能力低下的“画家”,创作出来的画必定“俗不可耐”,绘画本身就是画家思想、情感的抒发表达,脑子里有什么,都会通过画笔描绘出来,一幅画作是画家人格魅力的真实写照,当然了,画家低级趣味的习性,也会在画作中体现出来。
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